Une bonne partie de la meilleure production discographique actuelle se situe aux frontières du mainstream et du bop. Le disque de Philippe Pilon entre dans cette catégorie. Il en est même un des plus beaux spécimens récents, sinon la perle. C’est une très bonne surprise, d’autant que ce jeune musicien (né à Suresnes en 1973), ne compte pas encore parmi les plus connus du jazz hexagonal. Gageons que ce disque totalement réussi changera un petit peu la donne. Voilà donc un nouveau saxophoniste ténor, avec une belle qualité de son, un phrasé relaxe, du goût pour les histoires bien construites, une grande variété rythmique... Il allie la robustesse des Texans et une grâce toute getzienne sans oublier, évidemment, Lester Young qui fut un de ses premiers maîtres.
Le charme du CD vient également des six thèmes originaux, tous signés par le saxophoniste, des thèmes en totale osmose avec le style de l’instrumentiste, des thèmes qui chantent, qui donnent envie de chanter. Et quand il reprend un standard, Philippe Pilon se l’approprie, le rajeunit. Ecoutez-le exposer Blue Turning Grey…
Je ne surprendrai personne en affirmant que la rythmique formée par Pierre Christophe (p), Raphael Dever (b) et Guillaume Nouaux (dms) est idéale. Deux invités, les trompettistes Julien Alour et Jérôme Etcheberry, participent eux aussi avec bonheur à cinq titres.
Take It Easy, une véritable profession de foi !

Guy Chauvier

Cela fait pas mal d’années que les bonnes nouveautés de jazz Nouvelle-Orléans se font rares. Réjouissons-nous cependant en constatant que deux des tout meilleurs CD sortis récemment ont été enregistrés chez nous par des musiciens du cru : celui des Wooden Heads en 2007, « First improvize, then organize » aujourd’hui. La qualité superlative de la musique de ce second enregistrement ne nous a absolument pas surpris dans la mesure où les deux disques possèdent en commun un solide argument : Guy Bonne. Dans notre numéro 47, pour saluer la sortie du Wooden Heads, nous vantions les multiples mérites du clarinettiste. Le disque qu’il publie sous son nom, où il est le plus souvent au premier plan, illustre encore davantage ses qualités : beauté du son, variété et vitalité du phrasé, inspiration, justesse du style, émotion, maîtrise technique… C’est bien simple, vous pouvez écouter Guy après n’importe quelle figure historique de l’instrument, il fait le poids ! Voilà qui n’est pas courant…
Le CD a été conçu à partir de deux séances, l’une en quartette avec Jacques Schneck (p), Christophe Davot (g) et Raphael Devers (b), l’autre en sextette avec Francis Guéro (tb), Pierre Jean (p), Ziggy Mance (g), Sébastien Girardot (b) et Stéphane Roger (dms). Excellent casting ! Le choix des partenaires était primordial car il s’agissait de jouer une musique avant tout spontanée et collective. On connaît les affinités de la plupart de ces musiciens avec la Cité du croissant : Stéphane Roger, Sébastien Girardot, Pierre Jean, Christophe Davot, sans oublier l’excellent Francis Guéro qui s’impose chaque jour davantage comme un des meilleurs spécialistes du trombone New Orleans. Reste que les autres ont su s’adapter avec intelligence et sensibilité. Jacques Schneck, par exemple, que l’on entend abondamment, et depuis longtemps, dans des contextes très différents de celui-ci, s’exprime là avec une grande sobriété, un goût mélodique et rythmique en parfaite situation. Je vous recommande son solo de Make Me A Pallet On The Floor.

Guy Chauvier

Côté masculin, la moisson n’est pas plus heureuse, au contraire… Nous avons reçu Devil May Care, le dernier Jamie Cullum. Il est plus jazz que le précédent. Ce n’était pas difficile. Ici, comme dans le dernier Count Basie orchestra où il était invité sur Blame It On My Youth, Jamie fait le crooner. Il sait faire. Le problème, c’est que, quel que soit l’angle sous lequel vous considérez sa performance, le timbre, le phrasé (etc.), il n’ a aucune personnalité. Il n’est pas le seul. Je viens d’écouter Rush Of Love, de Mitch Winehouse, un des multiples sous-Sinatra, un sexagénaire anglais, père de la chanteuse Amy Winehouse. Ce n’est pas un mauvais disque, seulement un disque inutile. Passons…

Guy Chauvier

(1) On retrouve la plupart de ces musiciens dans l’excellent et dernier CD de David Sauzay, à mon avis son meilleur, Open Highway. Le ténor y est en compagnie d’Alain Jean-Marie (p), Michel Rosciglione (b), Mourad Benhammou (dms), Fabien Mary (tp) et Michael Joussein (tb).
Chroniqué dans Jazz Classique n°50 :
(2) CATHERINE RUSSELL. Sentimental Streak. World Village 468075. So Little Time So Much To Do - I’m Lazy, That’s All - Kitchen Man - Oh Yes, Take Another Guess - New Orleans - My Old Daddy’s Got A Brand New Way To Love - South To A Warmer Place - Thrill Me - You Better Watch Yourself, Bub - I’ve Got That Thing - I Don’t Care Who Knows - Broken Nose – Luci - You For Me, Me For You. Durée : 47’05.
Distribution Harmonia Mundi.
Vous ne connaissez peut-être pas encore Catherine Russell mais vous apprendrez vite à la reconnaître. Elle a tout un tas de qualités qui la distinguent de ses consoeurs, à commencer par son timbre, noir, légèrement voilé, parfaitement homogène et, surtout, facilement identifiable.
Pour chaque chanson interprétée, Catherine cite ses sources : Louis Armstrong, Pearl Bailey, Bessie Smith, Ella Fitzgerald, Alberta Hunter, King Oliver, etc. Elle peut en effet jouer cartes sur table, jamais elle ne souffre d’une quelconque comparaison car elle ne copie jamais qui que ce soit. Ici ou là, vous repèrerez peut-être une phrase dont la diction évoquera Ethel Waters, une inflexion à la Bessie Smith, un phrasé inspiré par Armstrong - que sais-je ? -, il n’empêche, toutes les influences sont harmonieusement fondues et la chanteuse fait tout à sa manière. C’est à peine si elle change quoi que ce soit quand le répertoire s’évade du tronc commun des références citées plus haut.
Ce qu’il y a sans doute de plus intéressant, et aussi de plus étonnant, chez Catherine Russell, contrairement à la multitude des chanteuses actuelles (je parle de celles qui ont quelque chose à voir avec le jazz classique) qui s’expriment toutes (ou presque) de façon très travaillée, très contrôlée, très sophistiquée, voire parfois, malheureusement, très apprêtée, c’est qu’elle chante un jazz on ne peut plus classique avec un naturel digne de la grande époque.
En fait, Catherine Russell n’a pas eu à apprendre la musique qu’elle chante, elle la connaît depuis toujours, elle est née dedans puisqu’elle est la fille de Luis Russell, le fameux pianiste et chef d’orchestre qui accompagna notamment Louis Armstrong à partir de la fin des années 20, et de Carline Ray, contrebassiste, guitariste et chanteuse qui s’illustra, entre autres, aux côtés de Mary Lou Williams, The Sweetheart Of Rhythm ou, plus récemment, Wynton Marsalis. Catherine est née en 1956, son papa avait cinquante-quatre ans et devait décéder sept ans plus tard. Une photo du livret la montre à quatre ans dans les bras de Louis Armtrong. Depuis, Catherine est devenue danseuse, puis chanteuse, mais pas toujours de jazz. Elle compte tout de même à son actif une collaboration avec Carrie Smith dans les années 80. Mais c’est en faisant régulièrement le bœuf au Sweet Basil de Greenwich Village, avec Doc Cheatham, dans les années 90, qu’elle va réorienter sa carrière en direction des racines familiales.
En 2006, Catherine Russell produisit un premier CD, “Cat“ (également distribué par Harmonia Mundi). Je ne doute pas que ses admirateurs y trouvent de nombreuses raisons de s’enthousiasmer. “Sentimental Streak“, me paraît toutefois nettement supérieur, à cause du répertoire, plus recentré et plus apte à mettre en valeur la personnalité de la chanteuse, une personnalité aujourd’hui plus affirmée, à cause aussi de la grande qualité des accompagnateurs du dernier enregistrement : James Wormworth (dms), Les Hudon (b), Matt Munisteri (g), Mark Shane (p)… (Guy Chauvier)

(3) Ce CD intitulé tout simplement Cécile McLorin Salvant et le Jean-François Bonnel Paris Quintet a été produit à compte d’auteur. Il est vendu lors des concerts. On peut le télécharger sur I Tunes, Amazon ou CD Baby. Il est également disponible sur le label japonais Agathe.

Le marché du disque de jazz continue à être majoritairement alimenté par les assemblages les plus divers. En voici quelques échantillons récents :

FREMEAUX & ASSOCIES

Guy Chauvier

Présentation des personnages : Mes chers enfants et les autres - Parade dixieland - Mais qu’est-ce que le dixieland ? - Duchabada au leitmotiv - Le thème de l’oiseau de Prokovief - Le thème du grand-père - Le thème du canard - Le thème du chat - Le cool jazz - Le thème du loup - Le thème des chasseurs - L’instrument roi de la Nouvelle-Orléans - Le thème de Pierre - Intermède - Un beau matin.
Pierre rencontre le loup à Dixieland : Un beau matin - Un canard se dandine - Un chat chapardeur - Un moucheron, une abeille… - Le grand-père en colère – Un gros loup gris – Pierre élabore un plan – Le plan démarre - Les chasseurs sortent des bayous - Imaginez la marche triomphale - Parade : When the Saints.
La musique dixieland : I’ve Found a New Baby - Sugar Foot Stomp - Struttin’ With Some Barbecue - Baby Won’t You Please Come Home - I Want A Big Butter and Egg Man - Peter’s Theme (alt.) - Wild Wolf Wailing (alt.) - Cat Like Cat (alt.). Durée : 56’30.

Jean-François Bonnel (cornet), Julien Miro (trombone), Gérard Murphy (clarinette), Renaud Perrais (sax ténor), Clément Tardivet (piano & narration), Félix Hunot (banjo, guitare), Mathias Barison (contrebasse), Thierry Lutz (batterie).

Adapter « Pierre et le loup » de Prokofiev en jazz n’est pas une idée neuve mais une bonne idée. Le trompettiste Pee Wee Erwin l’avait fait. Mais qui s’en souvient ? King Reno Dixie 8 reprend ici sa musique qui conserve les motifs de Prokofiev, ainsi que les arrangements de Lou Singer pour cette version française.
Le CD débute par une petite histoire du jazz puis, comme dans l’original, se mêle à la présentation des personnages chacun représenté par un instrument de l’orchestre avec son leimotiv : l’oiseau par la clarinette, le grand-père par le trombone, le canard par le banjo, le chat par le saxophone ténor, le loup par la contrebasse, les chasseurs par la section rythmique et Pierre par la trompette. Chaque présentation donne lieu à des passages musicaux dont certains swinguent avec un réel bonheur.
Le conte proprement dit est narré ensuite avec quelques variations, non dénuées d’humour, assorti de ses illustrations musicales qui dévoilent l’habileté des arrangements exécutés avec souplesse et maîtrise. Lors des représentations de l’œuvre de Prokofiev, les orchestres classiques font appel, en général, à des comédiens de renom. King Reno Dixie 8 a trouvé en la personne de son pianiste, Clément Tardivet, un narrateur particulièrement doué et convaincant.
Enfin, l’orchestre interprète cinq thèmes connus qui complètent l’enregistrement mais aussi certainement le programme lorsque le spectacle est présenté en salle. Ils permettent de mesurer pleinement la qualité des instrumentistes, vrais jazzmen, qui jouent avec conviction sur d’excellents arrangements.
Ce disque, comme vraisemblablement le spectacle dont il est l’écho, mérite de passer dans toutes les oreilles et devant tous les yeux. Il constitue une plaisante initiation au jazz et régale l’amateur. Il témoigne par ailleurs d’un sérieux travail qui mérite des cerises tant pour sa conception que pour son rendu.

Dominique Burucoa

Warren Vaché (co & voc), John Allred (tb), Tardo Hammer (p), Nicki Parrott (b, voc), Leroy Williams (dm)
Après « Jubilation » (cf. chronique J.C. n° 53), voici enregistré dix-huit mois plus tard, les 8 et 9 juin 2009, « Top Shelf ». Les musiciens sont les mêmes mais nous n’y retrouvons pas tout à fait la flamme du premier disque.
Le choix du répertoire est ici plus radical comme l’exprime le titre éponyme, dû à la plume de Blue Mitchell (1930 – 1979), en une forme d’adresse expressive. Ce trompettiste, souvent oublié, est une référence pour Warren. Compagnon notamment de Horace Silver, après avoir débuté avec Cannonball Adderley, Mitchell a enregistré une trentaine de disques. On trouvera sur You Tube un portrait d’une dizaine de minutes, dû au producteur Orrin Keepnews, qui éclairera utilement ceux qui ne connaissent pas bien ce grand musicien (http://www.youtube.com/watch?v=sxB-BOBVxP8&feature=fvw), résolument hard bop, maître dans l’art de la ballade. Les autres titres sont des compositions de Ronnell Bright, Thelonious Monk, Clifford Brown, Cannonball Adderley, Benny Golson, Bud Powell… qui témoignent de l’unité stylistique du CD. L’amateur de jazz classique pourrait ne pas pleinement retrouver son univers musical préféré malgré la présence de compositions qui lui seront vraisemblablement plus connues (Moonlight in Vermont, My Romance ou East of the Sun).
Autre différence de taille, ce deuxième opus est enregistré en studio et non, comme le premier, en direct dans un club. La dynamique de l’ensemble s’en trouve modifiée, en particulier pour ce qui concerne la rythmique. Le pianiste Tardo Hammer est moins excitant, égrenant ses phrases avec parfois une application un peu linéaire, Leroy Williams s’y montre plus intempestif, certes musical, notamment dans de beaux chases, mais moins attaché au swing régulier. Nicky Parrott, chante sans grande conviction East of the Sun mais assure tout le long une belle partie de contrebasse.
L’intérêt majeur, on pouvait s’y attendre, vient de l’incroyable duo des deux soufflants. Warren et John s’entendent comme larrons en foire. A une époustouflante virtuosité, une souplesse du phrasé exemplaire, en se jouant, il va de soi, des harmonies, ils allient deux des plus belles sonorités de cornet et de trombone et un sens unique de la construction des solii. Cela devrait suffire à contribuer à notre bonheur... Et pourtant, de notre point de vue, tous les ingrédients ne sont pas ici réunis pour nous combler tout à fait… A écouter avant l’achat.

Dominique Burucoa

Ehud Asherie, né en Israël, est un pianiste New Yorkais de 30 ans dont le mode d'expression initial est le bop et revendique Bud Powell comme son modèle.
Il a fait irruption sur la scène du piano jazz plus traditionnel il y a environ deux ans, peu après sa découverte d'un disque de François Rilhac qui a suscité chez lui un tel enthousiasme qu'il a décidé de s'intéresser de beaucoup plus près au stride en particulier. Doté d'une technique très sûre, d'une oreille remarquable et d'une volonté indispensable à l'apprentissage d'un tel répertoire, il s'est vite familiarisé avec James P. Johnson et Fats Waller. Avide de tout, il n'a pas tardé à progresser énormément depuis que je l'ai entendu la première fois en Floride il y a deux ans. Nous avons tout récemment joué ensemble en compagnie de Bernd Lhotzky, Chris Hopkins, Rossano Sportiello, Paolo Alderighi et Stéphanie Trick et il nous a tous surpris et enchantés.
Ce CD, enregistré il y a huit mois, ne lui rend qu'imparfaitement justice car il a progressé depuis, et parce que la prise de son et le piano auraient pu être meilleurs.
Les jeunes jazzmen actuels disposent aujourd'hui de l'éventail intégral de tout ce qu'on a pu découvrir et expérimenter dans cette musique depuis Jelly Roll jusqu'à Brad Melhdau, pour ce qui est des pianistes. A eux de choisir ce dont ils ont besoin pour développer un langage personnel. Ehud personnalise cette nouvelle catégorie de musiciens qui n'ont pas décidé de se confiner à un style très spécifique mais préfèrent tenter de concilier dans leur expression une large palette d'influences. On pourra peut être reprocher un côté hybride à sa musique mais je la trouve beaucoup plus intéressante que la recréation servile des grands solos des maitres, car cette démarche permet une créativité et des explorations nouvelles.
Le répertoire du CD est varié, il comporte des standards du jazz, de la comédie musicale américaine, du stride, du bop et une composition originale, tous les titres ayant un rapport avec New York, dont Ehud est fier d'être un citoyen.
Le tempo d'Ehud est sûr, il swingue parfois intensément, il aime les nuances et les couleurs, il respecte les mélodies et sait jouer avec les harmonies.
Ehud a en audace et en gouaille ce qui lui manque un peu pour le moment en élégance et en équilibre. C'est aussi ce qui donne à son jeu cette fraîcheur, notamment dans 52nd Street Theme, Autumn in New York, 42nd Street, Harlem Strut ou Take The A Train.
Certains morceaux en tempo lent sont tendres et pénétrés, comme Autumn in New York, Manhattan, ou la belle composition de Leonard Bernstein Lonely Town.
D'autres plus vifs font alterner les chorus bop et le stride comme 52nd Street Theme (avec de cocasses irruptions de Willie Smith ou Don Lambert dans un pur bop) ou Harlem Bound (composition du pianiste me rappelant Claude Hopkins).
Asherie a une vaste connaissance de la littérature du piano jazz et on trouve à tout moment des citations parfois inattendues de tel ou tel pianiste, entre autres : The Peacocks de Jimmy Rowles dans Autumn in New York, Steeple Chase de James P. Johnson dans 42nd Street, Zig Zag du Lion dans l'introduction de 42nd Street.
Voilà donc un premier CD en solo d'un artiste dont on n'a pas fini d'entendre parler, et qui est un nouveau rayon de soleil dans la petite confrérie des pianistes de jazz traditionnel, même si son langage est beaucoup plus vaste.

Louis Mazetier

Wang Wang Blues – Blues for Ben – Pick Yourself Up – Estrellita – Long Live the King – Opus ¾ - Cachita – Take Me In Your Arms/And The Angels Swing – After You’ve Gone – Serenade in Blue – Tricotism – It Might As Well Be Spring – Way Down Yonder In New Orleans – Danny Boy. Durée : 1h.

Engelbert Wrobel (cl, ts, ss), Dan Barrett (tb, tp), Chris Hopkins (p), Rolf Marx (g), Ingmar Heller (b), Oliver Mewes (dm) + cordes

Habitué d’Ascona, Engelbert Wrobel a-t-il un jour été programmé en France ? Depuis vingt ans, il dirige l’orchestre Swing Society et tourne régulièrement en Allemagne et en Europe du Nord où il connaît une renommée justifiée en compagnie des mêmes musiciens depuis… quatorze ans. Brillant clarinettiste, disciple de Benny Goodman, c’est cet instrument qu’il privilégie à juste titre ici avec de très beaux moments ( Wang Wang Blues, Pick Youself Up, Opus ¾ en hommage non déguisé ). Au ténor, quoique d’un bon niveau, il est moins performant (Blues for Ben, Take Me In Your Arms) et au soprano sur Cachita, d’un intérêt limité, il ne saurait souffrir la comparaison avec nos meilleurs sopranistes. Cet enregistrement révèle aussi ses qualités d’arrangeur sur six titres et non des moindres avec des passages qui évoquent plaisamment la petite formation légendaire de John Kirby (Wang Wang Blues, Way Down Yonder In New Orleans).
La rythmique est exemplaire de swing et d’efficience, emmenée par le wilsonien Chris Hopkins dont le beau piano distille quelques vrais moments de bonheur.
On ne dira jamais assez l’importance de la guitare au sein d’une rythmique. Celle de Rolf Marx le démontre avec talent. Il est aussi un excellent soliste qui pourrait bien constituer une révélation pour nombre d’amateurs tant pour son phrasé que pour sa sonorité et ses idées. Dans It Might As Well Be Spring, en trio, seulement accompagné de la contrebasse et de la batterie, il joue avec une guitare acoustique. Un choix appréciable mais le morceau est longuet malgré le haut niveau technique des trois musiciens. On le préfère dans les autres morceaux, à la guitare électrique, dans la veine de Wess Montgomery.
Le contrebassiste Ingmar Heller, encore bien méconnu dans notre pays, est un sacré musicien ! L’hommage à Pettiford sur Tricotism est convaincant mais les solos mesurés qu’il prend ailleurs le sont tout autant. A l’accompagnement, l’osmose avec le batteur ravit l’auditeur…
Oliver Mewes est un accompagnateur hors pair. Sa pulsation productrice de swing « nourrit » les solistes et ses interventions en solo, ici souvent insérés dans les arrangements, régalent.
Le Swing Society aime inviter des solistes. Ce fut le cas avec le cornettiste Jon-Erik Kellso pour de nombreux concerts ainsi qu’avec Dan Barrett que l’on retrouve avec bonheur. Styliste remarquable, Dan Barrett est un tromboniste de premier plan au goût parfait. Sa sonorité est l’une des plus belles et son souple phrasé, sans jamais forcer, est exquis. Notons aussi une belle démonstration au « plunger » sur Blues For Ben. C’est aussi un cornettiste très fin (Way Down Yonder In New Orleans). Ce disque anniversaire permet aussi de découvrir ses talents d’arrangeur, notamment pour quatuor à cordes, sur trois titres (Estrellita, Serenade In Blue et Danny Boy). Comme on pouvait s’y attendre, ce n’est pas avec eux que l’on trouvera les meilleurs moments de swing. Une belle musicalité n’en reste pas moins présente.
L’amateur de jazz pur et dur prendra un réel plaisir à l’écoute d’un peu moins de la moitié des titres. Le mélomane se réjouira plus longuement. Mais, l’intérêt que représentera pour beaucoup d’amateurs français la découverte de certains musiciens devrait inciter à l’achat.

Dominique Burucoa

Cette BD fait au plus simple : un dessin réaliste, chaque double page évoquant un moment clef de la vie de Ray Charles. De l'enfance pauvre jusqu'à la gloire : voici donc « The Genius » en treize tableaux accompagnés d'un texte qui résume à la première personne les drames, les influences, la musique et les engagements de l'artiste. Le trait de José Correa rappelle parfois celui de Raymond Moretti (sans toutefois le mauvais goût de ce dernier) et reproduit fidèlement les images quasi iconiques de Ray Charles comme des différentes personnalités que l'on croise dans cette BD (King Cole, Martin Luther King, Art Blakey...).
Le premier CD rassemble onze séances de studio réalisées entre 1953 et 1959, soit un éventail très représentatif de sa période Atlantic (1952-1959). Le second CD puise dans la même période mais s'attache aux « Live Sessions », reprenant l'intégralité du « Ray Charles At Newport » (Atlantic 1289, 1958) suivi de cinq titres extraits de « Ray Charles In Person » (Atlantic 8039, 1959) et deux titres de 1961. Du Ray Charles pur sucre, sans adjonction de vedettes pop. C'était le bon temps.

Dominique Périchon

Il est toujours agréable d’entendre des musiciens comme Jean-Sébastien Simonoviez (p), Philippe Dardelle (b) et Mourad Benhammou (dms) réunis ici autour du chanteur Maurey Richards. Leur présence apporte l’assurance d’écouter une musique de qualité dans un cadre convivial. Installé depuis un an en Bretagne Maurey Richards a derrière lui une carrière bien remplie dans la variété de haut vol. Il était pendant, les années 80, le soliste des Platters et il s’est produit à Londres dans plusieurs comédies musicales. Avec ce disque Maurey Richards aborde le domaine du jazz au travers de standards qui font référence. Mais les bonnes intentions ne suffisent pas toujours. Son timbre de voix est agréable mais son phrasé reste entaché d’imprécisions rythmiques et d’inflexions qui surchargent inutilement sa ligne de chant. Cela passe parfois mais devient gênant sur Stormy Monday Blues où il force sa voix. Bref, le chanteur de variété n’est pas loin. Attendons le prochain disque.

Alain Tomas

Djangology – Le manoir de mes rêves – Bric Top – Nuages – Sweet Sue – Triste mélodie – I Know That You Know – Manouche – Mon pote le Gitan – Oui, pour vous. Durée : 37'39.

Sur le monument dédié aux frères restés dans l'ombre, il faut graver le nom de Joseph Reinhardt (frère de Django) aux côtés de ceux de Frank James (frère de Jesse), Théo Van Gogh (frère de Vincent), le Masque de fer (frère – présumé – de Louis XIV), etc., etc., car la liste est longue des cadets venus trop tard et des aînés rattrapés par le génie du petit dernier, frères cachés par la trop lumineuse star familiale, deuxièmes couteaux, assistants... Les fils s'en sortent finalement mieux (quoique Lousson ne soit pas un bon exemple ; Babik, si). Quand elle disparaît, l'étoile brille encore longtemps et les frères font alors comme ils peuvent. Frank James alla vendre des chaussures, Théo ne survécut pas six mois à Vincent, Joseph raccrocha d'abord sa guitare. Puis la reprit quatre ans plus tard, en 1957. Il ne s'agissait même pas de se faire un prénom et les titres des disques qu'il enregistra alors étaient éloquents : « Joseph Reinhardt joue... Django », « Hommage à Django », « Pour Django »... Nin-Nin avait à l'occasion joué comme soliste et leader du vivant de Django mais la mort de ce dernier le poussa naturellement à prolonger cette œuvre (il essaya même de terminer la Messe Gitane commencée par Django) au nom de la famille et de la musique. Aujourd'hui, après l'avalanche de compilations et de best of en tous genres déclenchée par le centenaire de Django, Label Ouest se distingue intelligemment en offrant une place méritée à Joseph et réédite les huit titres de « JR joue... Django » de 1958 avec Pierre Ramonet au violon. Des solos comme ceux qu'il prend sur Nuages et Triste mélodie, où les silences fréquentent les plus belles idées, placent Joseph Reinhardt parmi les guitaristes manouches importants. Des années passées à seconder les chorus géniaux de Django lui ont permis d'acquérir un solide placement rythmique mais n'ont pas fait de lui un simple clone car Joseph possède une sonorité bien à lui, métallique, une façon de phraser qui ne manque jamais de finesse, un sens aigu de la mélodie et aucune attirance pour l'épate : de la musique. Un guitariste de talent, un musicien sensible.
Deux titres sont extraits du 45 t. « Mon Pote le Gitan ». Un onzième, daté de 1947, fait entendre Joseph Reinhardt avec le « Stéphane Grappelli's Hot Four » sur une guitare amplifiée, instrument sur lequel il précéda Django. Malgré une vie musicale autonome, Joseph restera le frère, l'ombre, le premier aussi à porter ce formidable héritage. Un drôle d'emploi où l'on perd un peu de soi-même.

Dominique Périchon

Jacques Réda écrit sur la musique. Un livre sur la musique, mine de rien, ce n'est pas si fréquent. Des livres sur les musiciens, oui, et même pléthore : ils nous racontent des histoires, biographisent à mort, se roule dans la tragédie et l'anecdote. Mais la musique, souvent ils ne font que l'effleurer. L'histoire des musiciens, ce n'est pas tout à fait l'histoire de la musique. Quant aux ouvrages qui traitent de la musique avant toute chose, ils sont précis, donc techniques, et n'emploient que des termes sans ambiguïté, donc savants ; et là, c'est la grande masse des lecteurs qui, faute d'avoir étudié des années durant l'harmonie au conservatoire, reste sur le carreau... Jacques Réda propose une solution pour être à la fois rigoureux et lisible, un genre de méthode. D'abord, foin des détails biographiques qui n'influent pas directement sur l'art du jazzman ; ensuite, quand il parle des notes qui résonnent dans le piano de Willie Smith The Lion, de la phrase de Harry Edison ou des silences de Basie, jamais il n'évoque quintes diminuées ou pentatonique mineure : il trouve les combinaisons de mots que seul un écrivain est capable d'inventer pour donner du corps à l'insaisissable et crée ainsi un solfège tout personnel, parfois aussi exigeant que le « vrai », mais qui n'exclut personne du moment qu'on sait lire. « Une lecture du jazz », comme dit le sous-titre, une écriture de la musique également...
Jacques Réda est poète. Ce n'est pas rien. Si L'Improviste appartient à la collection « Folio Essais », l'œuvre est bien poétique. Non qu'il débite du vers libre au kilomètre ou trafique de la métaphore en gros mais il révèle des mondes cachés dans les enregistrements les plus fameux, tisse un lien entre les jazzmen, entre les périodes, reconstitue une Histoire qui, soyons honnêtes, pourrait bien nous avoir échappé... Il cherche dans les pianos ce qu'il y a et ce que nous n'avions pas su entendre. Un poète donc.
L'Improviste. Ce titre vous dit quelque chose : normal. L'Improviste rassemble deux livres précédemment publiés de Jacques Réda : L'Improviste (Une lecture du jazz) et Jouer le jeu (l'Improviste II). Pour la présente édition, l'auteur ne s'est pas contenté de coller deux textes anciens (1980 et 1985) car il s'est fait l'arrangeur de ses propres compositions, écartant et ajoutant de nouveaux thèmes. Que trouve-t-on alors dans cet « essai » ? Concernant la forme, un peu de tout, harmonisé par le style de l'écrivain : une analyse serrée du pianiste Ellington, le tombeau de Benny Goodman, les rêveries d'un Jelly Roll en promeneur solitaire, une lettre à Bud Powell, la chanson d'Eric Dolphy, un travail d'historien sur le compositeur Ellington, un portrait de Fletcher Henderson en chimiste, un précis d'archéologie monkienne, des dialogues imaginaires, des études comparées... Concernant le fond, on l'aura compris, l'œuvre de quelqu'un qui place le jazz à son juste pinacle.

Dominique Périchon

Je suis un grand admirateur de Dick Hyman, comme ceux qui ont pu lire les chroniques de disque de Jazz classique le savent.
J'ai souvent joué avec lui depuis environ 10 ans, j'avais auparavant beaucoup écouté nombre de ses enregistrements. Je n'en suis pas pour autant son hagiographe. Je sais ce qu'on lui reproche habituellement - pianiste "caméléon" qui n'a pas de style propre - et je conçois cette critique. Cet ensemble de CDs (+ un DVD) peut continuer à alimenter cette vision des choses puisque Hyman y fait la démonstration des styles de piano jazz du_ragtime à aujourd'hui, ce dont personne d'autre n'est actuellement capable avec autant de bonheur, soit dit en passant.
Je dois dire pour commencer que ses détracteurs, comme d'ailleurs très souvent quel que soit le domaine, ne connaissent pas très bien son travail et ne l'ont écouté que superficiellement. Car Dick ne joue ni comme Jelly Roll, ni comme Fats ou Tatum, mais comme lui-même. Comment pourrait-il en être autrement ? Et c'est tant mieux. Il faut voir les choses différemment, même si c'est un peu loin de l'esprit habituel du jazz. Dick est un interprète. Dans les évocations des maîtres du clavier, il traite les morceaux les plus typiques avec beaucoup de respect du style de chacun, de son vocabulaire, de sa pulsation, bref de son esprit. Ecoutez Joplin, ou The Crave de Morton, le Carolina Shout de James P, le Complainin' de Stacy. C'est un régal d'intelligence musicale, car même si ce ne sont pas les créateurs, tout leur feeling est présent, à la sauce Hyman. Très souvent d'ailleurs, il s'éloigne notablement du modèle pour des digressions personnelles, comme dans Heliotrope Bouquet, ses évocations de Duke ou de Monk.
Il faut aussi comprendre que cet ensemble est très particulier dans la production du pianiste et qu'il répond à un but didactique vrai, particulièrement en exergue dans le DVD.
Tous les pianistes de Jazz, du débutant au plus expert, peuvent y trouver quelque choses à apprendre. Pour moi, si les chapitres consacrés au piano-jazz ancien ne me fournissent que peu de matière à découvrir, il en est tout autrement de ceux dévolus à Tatum et surtout à Shearing, aux block chords et à Bill Evans, tant ils sont bourrés d'éléments didactiques riches.
Et puis il y a le CD n°5 où Dick improvise très librement sans support palpable, un peu à la Keith Jarrett, mais en moins barbant. Même si on s'éloigne du jazz classique, ça peut en surprendre plus d'un.
S'il est reconnu et acclamé dans le monde entier, Hyman reste chez nous quasi inconnu. Le public français passe à côté d'un des artistes les plus incroyables de son époque et c'est dommage. il est aujourd'hui, à 83 ans, parfaitement maitre de son art et de sa technique, se renouvelant constamment, menant de front mille projets.
C'est à coup sûr le pianiste de jazz actuellement en activité le plus cultivé, un soliste fascinant et plein d'imprévu, un véritable phénomène et un exemple pour tous les pianistes.

Louis Mazetier

La Scène nationale Bayonne - Sud Aquitain a une nouvelle fois donné une belle place au jazz dans sa programmation :
• Dorado Schmitt (Théâtre / Bayonne – 20/10)
• Chicago Blues Festival 2010 (Salle Paul Vaillant-Couturier / Boucau – 26/11)
• New Spirit & Carolyn Payne (Bayonne – 30/11)
• Philippe Lejeune Trio (Ecuries de Baroja / Anglet – 8 et 9 /12)
• Three For Swing (Schneck/Davot/Mucci) “Hommage à Nat King Cole“ (Anglet - 4 et 5/01)
• Paris Swing Orchestra & André Villéger (Bayonne – 18/01)
• Echoes Of Swing (Anglet - 15 et 16/02)
• Dmitry Baevsky & Joe Cohn (Anglet – 1 et 2/03)
• Dmitry Baevsky – Joe Cohn Quartet (Bayonne – 4/03)
• Tuxedo Big Band (Bayonne – 25/04)

CD1 : Djangobop - For Patrick - Swing 744 - Pretty Baby - Francis Waltz - The Moon Drives Me Loon - Them There Eyes - Solitude - Philvalse. Durée : 34’55.
Stan Laferrière (acc. g), Aurélie Tropez (cl), Jacques Schneck (p), Jean-Yves Dubanton (b), Déborah Tropez (wsb)…
CD2 : Good Luck - Sous le ciel de Paris - What For ? - Blue On West Side - How Blue Is My Heart ? - I’ve Never Been In Love Before - Jam Hill - Pick Yourself Up - Wes Point - In The Meadows - Blue On West Side. Durée : 49’11.
Stan Laferrière (él. g), Pierre Christophe (p), Raphaël Dever (b), Laurent Bataille (dms)…
Voilà une production aussi réussie qu’inattendue. Nous savions tous que Stan Laferrière jouait (fort bien) de la guitare. De là à imaginer qu’il sortirait un jour un double CD en tant que guitariste leader… Dans quelques lignes écrites sur l’emballage, Stan donne une partie de l’explication : « La guitare est finalement l’instrument pour lequel j’ai le plus d’affection et qui me rend heureux en toutes circonstances. Cet album représente pour moi une sorte de récréation jubilatoire. » Pour nous aussi…
Le premier CD fait entendre Stan sur l’instrument acoustique dans une esthétique Django Reinhardt. Au-delà de l’aisance du leader dans un style qu’il a longuement pratiqué au sein d’Alma Sinti, par exemple, il faut souligner deux éléments particulièrement heureux. D’abord la présence de la jeune et talentueuse clarinettiste Aurélie Tropez. Ensuite la qualité des nombreuses compositions de Stan qui sont non seulement en totale harmonie avec le projet musical mais relèvent toute d’une vraie inspiration mélodique. Stan Laferrière est un excellent compositeur. Ce n’est pas un scoop. On peut d’ailleurs aussi le vérifier dans le second CD.
Ce second CD, dans une atmosphère bop (même la prise de son évoque les années 50), est celui qui, à mon avis, révèle le mieux les capacités d’improvisateur de Stan à la guitare, ici électrique. Dans son avant propos, Stan cite quelques-uns de ses principaux inspirateurs. On retrouve naturellement plein de noms connus, incontournables… J’ai aussi noté la présence d’un guitariste souvent oublié, Billy Bean. Quoi qu’il en soit, cette seule session suffit pour compter Stan parmi les dignes représentants de la corporation. Elle est également remarquable par l’homogénéité et le swing d’ensemble du quartette.
Cet album est dédié à Patrick Saussois et Lodie Serrano qui, comme chacun sait, vivent des moments difficiles. Ce n’est pas écrit sur le disque mais la recette leur sera intégralement versée. Bravo à Stan et Black & Blue pour cette initiative. Si vous avez du mal à vous procurer cet enregistrement, vous pouvez le commander en envoyant un chèque de 25 euros à l'ordre de Stan-Music, 146 quai Louis Blériot, 75016 Paris.

Guy Chauvier

La collection “Jazz Masters Cabu“ vient de s’enrichir de quatre nouvelles références, quatre merveilles de concision, de densité, d’intelligence, de présentation… Comme d’habitude !

Guy Chauvier

Marc Richard

Enregistré en mars 2009.
C'est beau, un trio. Surtout quand ils sont quatre. Ici, Rhoda Scott, Patrick Saussois, Lucien Dobat et Burt Bacharach.
Burt Bacharach, donc. L'auteur de grands succès dans les années 60 et 70, de musiques de film, de romances, le roi de l' « easy listening », si ça veut dire quelque chose, celui qui a le mieux réussi à traduire l'insouciance, la légèreté et toute la palette des sentiments environnants en notes de musique. Tom Jones ou Dionne Warwick l'ont interprété, c'est dire si les amateurs de jazz ne l'ont écouté qu'avec des pincettes... Sauf que Burt Bacharach est un compositeur, immédiatement reconnaissable, de la trempe des Jerome Kern ou des Cole Porter, en phase avec son époque, capable en quelques notes d'inventer un standard dont la fraicheur ne semble pas connaître de date de péremption. Pourtant, rares sont les thèmes, comme The Look Of Love, qui ont eu droit de cité dans le répertoire des jazzmen, même si certains d'entre eux se sont appliqués à explorer ce continent-là (Mc Coy Tyner, Diana Krall...). Une histoire d'époque sans doute, et peut-être des harmonies qui ne laissent pas l'improvisateur aussi libre qu'il le souhaiterait.
De cette musique, Rhoda Scott, Patrick Saussois et Lucien Dobat ont conservé tous les parfums. Les solos tournent autour de la mélodie avec une sorte de respect, la paraphrasent plus ou moins, et brodent de jolis contrepoints. Inutile de rappeler combien une Rhoda Scott peut swinguer sur un Hammond tout en rondeurs, inutile de démontrer ce qu'un Patrick Saussois peut apporter de classe et de présence sur une guitare. Il y a dans ce disque des qualités qui se font rares, me semble-t-il, puisque dès la première note on est happé par un son, un style, un esprit, et ce n'est pas si fréquent de tomber sur un disque enregistré avec un vrai projet, une production soignée et une belle unité, un disque qui s'écoute et ré-écoute sans lassitude aucune. J'en fais encore l'expérience. Un « Tribute To Burt Bacharach » qui vaut son pesant de cristal.

Dominique Périchon

Emmanuel Hussenot (cnt, voc, arr), Philippe Audibert (cl, ts, ss, voc), Daniel Huck (as, ts, cl, ss, voc), Patrick Perrin (souba), Patrick Diaz (bj). Meudon, 1981.
Dans l’interview qu’il accorda à Jazz Classique en novembre 2009, à la question « Que mettrais-tu dans ton best of ? », Daniel Huck accorda une place de choix à l’Orphéon. « Les disques de l’Orphéon sont sans doute parmi les meilleurs mais le mieux serait sans doute de mettre le Clarinet Marmelade de You Tube. » Au cas où vous n’auriez pas entendu (et vu) ce Clarinet Marmelade, vous le trouverez dans notre rubrique “Vidéo“ (classé à Huck). You tube était jusqu’à présent bien pratique car aucun des quatre LP enregistrés par l’orchestre avec le concours de Daniel Huck n’était disponible. Grâce à Olivier Brard, le premier de ces LP, “C’est pas de la tarte !“, vient de revoir le jour. Le moins que l’on puisse dire est que cette réédition est totalement opportune. Elle remet d’emblée en évidence la qualité très rare qui animait la swingante musique de l’Orphéon à cette époque : l’énergie, le dynamisme, l’intensité, la force, la vigueur… Quand vous comparez les enregistrements “vieux style“ européens avec les originaux américains des années 20 et 30, vous êtes presque toujours frappé par la plus grande vitalité des anciens. Mais pas ici. Daniel Huck, Philippe Audibert, Patrick Diaz envoient grave (2) ! Et c’est sans doute avant tout pour cela que la musique de l’Orphéon continue à nous surprendre et à nous enthousiasmer. Même si elle a d’autres mérites…

Guy Chauvier

(1) Les internautes des Alpes Maritimes et du Var seront peut-être content de savoir que le même label vient de publier “Dans les rues d’Antibes“, un nouvel opus de Swing Parade, l’orchestre du saxophoniste soprano Gérard Bréaudat, disciple de Sidney Bechet.
(2) Ou « cognent dur », pour ceux qui ne lisent pas le français moderne.

Jean-Pierre Bertand (p), Guy Bonne (cl, ts), Francis Guéro (tb), Gilles Chevaucherie (b), Nicolas Peslier (g), Simon Boyer (dms). Paris, novembre 2009.
Je reçois toujours avec un préjugé favorable un disque de Jean-Pierre Bertrand. D’abord parce que Jean-Pierre figure depuis longtemps parmi les meilleurs pianistes de boogie woogie, un aréopage très restreint, tant il est vrai que l’on rencontre dans ce domaine de nombreux “musiciens“ qui ne brillent ni par leur swing, ni par leur maîtrise instrumentale, ni par leur imagination. Si l’Allemand Frank Muschalle est aujourd’hui, à mon avis, le maître incontestable du genre, Jean-Pierre est assurément un de ses dauphins. La seconde raison expliquant mon intérêt pour les enregistrements de Jean-Pierre Bertrand est que notre pianiste ne cesse de s’affirmer dans tous les domaines, la technique, le style, etc. Je me permets d’emprunter à un connaisseur, Louis Mazetier, les trois dernières phrases du texte que vous lirez sur l’emballage du CD : « Je l’ai vu progresser à pas de géant pour atteindre la maîtrise et l’ouverture qu’il a aujourd’hui acquises, Je pense qu’il signe là son meilleur disque, plein de tonus, d’émotion et de bonheur. Vous partagerez ce plaisir avec moi, j’en suis certain. »
La réussite de Hep Cat Shuffle m’en a rappelé une autre, elle aussi due à des musiciens français, celle du “Go To New Orleans“ des Wooden Heads (CD sorti en 2007). Dans les deux cas nous avons affaire à des enregistrements très typés, New Orleans avec Wooden Heads, boogie woogie avec Bertrand. Dans les deux cas, les orchestres montrent une homogénéité totale, dans la maîtrise du style, le niveau de jeu, et atteignent une cohésion et une efficacité rares à une époque où ces orchestres ne jouent plus qu’épisodiquement. Pour le présent CD, cela s’explique par le fait que Jean-Pierre Bertrand a fait un superbe casting, en choisissant d’abord d’authentiques et émérites jazzmen, ce qui est loin d’être toujours le cas dans les orchestres de boogie, très “rock n’ roll“. Il y a d’ailleurs ici un musicien qui participe également aux Wooden Heads, c’est Guy Bonne. Si vous aimez sa clarinette typiquement Nouvelle-Orléans, vous la retrouverez dans See See Rider, entre autres. A ses côtés, des solistes du même calibre, Francis Guéro au trombone et Nicolas Peslier à la guitare qui, tous les deux, pratiquent différents registres et bonifient tout ce qu’ils touchent, sans oublier le piano du patron, évidemment. Mais tout cela ne pourrait fonctionner sans le soutien oh combien stimulant du tandem rythmique constitué par Gilles Chevaucherie et Simon “Hep Cat Shuffle“ Boyer. Ajoutons une dernière fleur : le répertoire est intelligemment choisi pour évider les rédites, même quand il fait appel au blues. Vous entendrez ici, par exemple, les riffs du You Need To Rock de Johnny Hodges (1), un musicien apparemment inconnu de la plupart des actuels spécialistes du boogie et du blues, un comble !

Guy Chauvier

(1) Ce You Need To Rock figurait dans le fameux “Side By Side“, et non dans “Back To Back“ comme l’écrivit André Vasset dans le bulletin HCF. Cela dit, La chronique “descriptive“ de “l’impitoyable“ “musicologue“ est constamment “réjouissante“, à défaut d’être “passionnante“ : « Sur une partie de piano accueillante portée par une pulsation alléchante, trombone et ténor lancent un riff réjouissant puis passent à un second riff avant les solos de la guitare, mobile et passionnante, du trombone, à l'éloquence captivante, du piano, au jeu fleuri et plein d'envolée, de la contrebasse, bourrée d'énergie ; le morceau se termine par un retour au riff du début toujours sous la poussée d'une batterie impitoyable. » Et dire que l’on songe à reculer l’âge du départ à la retraite !

CD 1 : Louis Armstrong and his Orchestra (Fleischmann’s Yeast Radio Show - 04 & 06/1937) • 1. Theme & I’ve got a Heart full of Rhythm 2’55 • 2. You, rascal you 3’12 • 3. On the sunny side of the street 3’30 • 4. After you’ve gone 2’40 • 5. Rhythm jam 2’47 • 6. That’s what I like 3’16 • 7. Memories of you 3’05 • 8. Chinatown, my Chinatown 2’43 • 9. Ida 2’02 • 10. Darling Nelly Gray (w. The Mills Brothers) 2’54 • 11. The love bug will bite you 2’16 • 12. Lazy river 3’13 • 13. Washington and lee swing 2’48 • 14. I got rhythm 3’03 • 15. I know that you know 3’02 • 16. Rockin’ chair 3’24 17. Sugar foot stomp 2’36 • 18. Bugle blues 2’44 • 19. Hustlin’ and bustlin’ for baby 3’07 • 20. Shoe shine boy 3’06 • 21. Will you do a stomp? 2’22 & finale (sleepy time down south) 1’30.
CD 2 : Louis Armstrong & the Mills Brothers • 1. In the shade of the old apple tree (tk.a) 2’17 • 2. In the shade of the old apple tree (tk.b) 2’15 • 3. The old folks at home (Swanee river) 2’21 • Louis Armstrong and Martha Raye & Orchestra (film “artists and models” - 05/1937) • 4. Public melody number one 6’45 • Louis Armstrong and his Orchestra • 5. Public melody number one 3’09 • 6. Yours and mine 2’41 • 7. Red cap 3’07 • 8. She’s the daughter of a planter from Havana 3’16 • 9. Alexander’s ragtime band 2’33 • 10. Cuban Pete 3’05 • 11. I’ve got a heart full of rhythm 3’07 • 12. Sun showers 2’41 • Louis Armstrong & Brass Band (films “Every day’s a Holiday” - 10/1937) • 13. Jubilee 2’09 • Louis Armstrong and his Orchestra • 14. Once in a while 3’06 • 15. On the sunny side of the street 2’56 • Louis Armstrong and his Orchestra • 16. Satchel mouth swing 2’33 • 17. Jubilee 2’34 • 18. Struttin’ with some barbecue 2’56 • 19. The trumpet player’s lament 2’52 • 20. I double dare you 2’56 • 21. True confession 3’04.
CD 3 : Louis Armstrong and his Orchestra • 1. Let that be a lesson to you 2’32 • 2. Sweet a song 3’03 • Louis Armstrong and his Orchestra • 3. So little time (and so much to do) 2’41 • 4. Mexican swing 2’37 • 5. As long as you live… 2’13 • 6. When the Saints go marchin’ in 2’41 • 7. On the sentimental side 2’25 • 8. It’s wonderful 2’34 • 9. Something tells me 2’30 • 10. Love walked in 2’28 • Louis Armstrong with the Mills Brothers • 11. The flat foot floogie 2’57 • 12. The song is ended 3’08 • 13. My walking stick 2’40 • Louis Armstrong with the Decca mixed chorus • 14. Shadrack 2’28 • 15. Going to shout all over god’s heaven 2’47 • 16. Nobody knows the trouble I’ve seen 3’10 • 17. Jonah and the whale 2’46 • Louis Armstrong and his Orchestra • 18. Naturally 2’46 • 19. I’ve got a pocketful of dreams 2’52 • 20. I can’t give you anything but love 2’53 • 21. Ain’t misbehavin’ 2’55 • Louis Armstrong monologues/speeches • 22. Elder Eatmore’s sermon on throwing stones 4’15 • 23. Elder Eatmore’s sermon on generosity 4’20.

Le premier CD de ce huitième coffret Frémeaux satisfera tous ceux qui n’ont pu se procurer les enregistrements du Fleischmann’s Yeast Show, publiés pour la première fois en 2008 sur Jazz Society (chronique dans Jazz Classique n°52, septembre 2008). Sachez toutefois que, pour avoir la totalité du Jazz Society, il faut aussi se procurer le volume 7, sinon il vous manquera trois titres. Parmi les éditions posthumes d’enregistrements de Louis Armstrong, celle-ci occupe une place de choix pour diverses raisons : la forme exceptionnelle du trompettiste, la présence de huit morceaux qu’il interprète ici pour la première et dernière fois, la mise en valeur du formidable orchestre de Luis Russell, et notamment de son batteur, Paul Barbarin, bien servi par la prise de son, les arrangements de Chappie Willet…
La suite contient un nombre impressionnant de chefs-d’œuvre du catalogue Decca. C’est le Louis Armstrong de la maturité, au jeu posé, sobre, à la sonorité pleine et puissante, dans toute sa splendeur. L’improvisation est moins exubérante que précédemment mais l’inspiration mélodique est toujours aussi vive. Je ne comprends rien aux réserves de Daniel Nevers dans le texte du livret : « Louis Armstrong n’a rien perdu de son éclat même si, parfois, le soleil tend à se voiler… C’est justement ce qui arrive lors des sessions du 13 et 18 mai 1938, à New York cette fois. Le matériau (So Little Time, As Long As You Live) n’est guère passionnant […] » Non, franchement, ni la trompette du chef, ni le “matériau“ ne me paraissent porter les stigmates d’un déclin.
Le coffret se termine avec les deux sermons, Elder Eatmore’s Sermon… Comme il s’agit de textes humoristiques parlés (écrits, d'après Irakli, par un certain Alex Rogers), vous serez peut-être intéressé de savoir que ces deux textes ont été publiés dans le bulletin du HCF, numéros 239 et 242, en 1974, avec une traduction tarabiscotée de Madeleine Gautier. Nevers, qui n’a pas lu ces bulletins (il avoue que le sens des paroles prononcées par Armstrong lui échappe) et ne sait pas trop quoi dire à propos de ces sermons, se contente de recopier les lignes que leur a consacré Hugues Panassié dans son Louis Armstrong. Panassié, pourtant fort décrié par le compilateur, est parfois bien pratique.

Guy Chauvier

Nous avons récemment appris les disparitions des batteurs Calvin Shields (5 janvier 2010) et Ed Thigpen (13 janvier), de la chanteuse Etta Cameron (4 mars), du guitariste Diz Disley (22 mars), de la chanteuse Marva Wright (23 mars), du guitariste Herb Ellis (28 mars), du pianiste John Bunch (30 mars), du tromboniste Mike Zwerin (2 avril) et du pianiste Hank Jones (16 mai).

Guy Chauvier

Isabelle Marquis

http://www.janegoldberg.org/

Rejoignez la Maison du Duke !

La Maison du Duke a été fondée en septembre 2009 pour fédérer les passionnés, et contribuer au rayonnement de l’oeuvre de Duke Ellington. L’association est représentée par Claude Carrière (président d’honneur), Christian Bonnet (président), Philippe Baudoin (vice président), Laurent Mignard, Claudette de San Isidoro, Isabelle Marquis, Aurélie Tropez.

Les activités 2009-2010

Les soirées de Duke Orchestra

Un jeudi soir par trimestre, le Duke Orchestra présente un programme thématique et anime un nouveau format de rencontre, avec répétitions publiques, concert commenté, des invités ...

jeudi 17 décembre. le Duke Orchestra invite Patrick Artero. Patrick Artero fête sa Victoire de la Musique avec la grande famille des musiciens. Répétition publique et concert commenté sur le thème "Duke Ellington french touch". A partir de 20h00 à l'Entrepôt
 
jeudi 18 février. The Far East Suite - Impressions du Proche et Moyen Orient - L'album culte
 
jeudi 15 avril. Duke Ladies – La femme selon Duke

Duke Ellington Conference

Un samedi matin par mois à l’Entrepôt, un collège de spécialistes anime un cycle de conférences thématiques pour explorer l’univers de Duke Ellington.
Samedi 14 novembre : Duke Ellington Panorama - Claude Carrière
Samedi 12 décembre : Le Blues chez Duke Ellington – Philippe Baudoin
Samedi 16 janvier : Les saxophonistes chez Ellington – François Théberge
Samedi 13 février :  Billy Strayhorn, l’alter ego – Claude Carrière
Samedi 13 mars : Mélodie et contrepoint – François Théberge
Samedi 10 avril : Les trompettistes chez Ellington – François Biensan
Samedi 29 mai : Le Duke et ses Suites – Claude Carrière
Samedi 19 juin : Duke Ellington pianiste

Le samedi matin de de 10h30 à 12h30 à l’Entrepôt - 7 / 9 rue Francis de Pressensé 75014 Paris - M° Pernetty

Tarif : 20 € - réduit adhérents : 10 €  - musiciens, élèves des écoles de jazz, chômeurs : 5 €
 
Inscriptions - par mail contact@maisonduduke.com - par téléphone Claudette de San Isidoro : 01 40 09 96 07
 
Les collections privées

Sur rendez-vous (adhérents VIP), un accès aux collections des collectionneurs de la Maison du Duke : disques, partitions, documents …

Les conditions d'adhésion
 

Option 1. Adhésion simple à la « Maison du Duke » : 15 € / saison
- tarif réduit / soirées à l’entrepôt : 5 € au lieu de 7 €
- tarif réduit / master class : 15 € au lieu de 20 € - forfait 8 séances 80 €
- tarif réduit / CD et T-Shirt Duke Orchestra : 10 € au lieu de 15 €
Option 2. Le PASS « Maison du Duke » : 100 € / saison
- entrée libre aux soirées à l’Entrepôt et placement VIP
- entrée libre au programme « Connaissance d’Ellington »
- cadeau / CD ou T-Shirt Duke Orchestra
- cadeau / invitation aux concerts du Duke Orchestra (dans la limite des places disponibles)
- libre accès (sur rendez-vous) aux collections privées (disques, partitions, documents rares) des collectionneurs (Philippe Baudoin, Claude Carrière)

Jean-Marie Hurel